• Actualizado el 13/08/12
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    Muchos son los que opinan que Casablanca
    es la obra maestra absoluta de la historia
    del cine.

    El guion, diálogos, dirección, puesta en
    escena e interpretaciones son impecables
    en este drama romántico ganador de 3
    premios Oscar.

    Da igual las veces que veas esta película
    porque siempre te sorprenderá, y uno de
    sus momentos álgidos es, por supuesto, su
    subversivo final .

    Casablanca fue rodada íntegramente en
    unos estudios de Hollywood (no en
    Marruecos) y para esta escena en el
    aeropuerto se utilizó una réplica de un
    avión hecha en cartón y extras de baja
    estatura para aparentar que estaban a una

    distancia mayor.

    Además se usó bastante humo, a modo de
    neblina, para disimular que el avión no
    era real.

    El final, en el que el personaje de Bogart
    sacrifica su amor para permitir a los de
    Ingrid Bergman y Paul Henreid escapar de
    la persecución nazi, no fue revelado por
    el director hasta el final.

    De este modo, Michael Curtiz, pretendía
    conseguir que sus actores mostraran el
    mismo desconcierto que sus personajes al
    descubrir el destino que les esperaba. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    En este clásico del cine de terror y
    suspense, Norman, el dueño del motel
    Bates, espía a través de un orificio en
    la pared de una de las habitaciones, como
    Marion, interpretada por Janet Leigh, se
    desnuda para darse una ducha.

    Marion ha llegado al motel huyendo tras
    haber robado dinero de la oficina donde
    trabajaba para compartirlo con su novio.

    Mientras se ducha alguien abre
    violentamente la cortina del baño.

    En la famosa escena de la película
    dirigida por Alfred Hitchcock, los
    espectadores pueden ver que se trata de la
    silueta de una mujer mayor esgrimiendo un
    gran cuchillo de cocina.
    Marion grita mientras es acuchillada y cae

    rasgando la cortina. La mujer se marcha
    mientras la ducha sigue funcionando,
    llevándose el agua la sangre de Marion
    por el drenaje mientras un primer plano
    nos muestra el ojo de la chica, ya sin
    vida.

    Este momento en particular fue muy
    difícil para Leigh, ya que la ducha
    seguía funcionando y el agua le hacía
    parpadear.

    Toda esta secuencia se tardó siete días
    en rodar y se utilizaron unas setenta
    posiciones de cámara para un total de
    cuarenta y cinco segundos de película.

    Otras anécdotas del rodaje de esta escena
    son que el personaje de Janet Leigh fuera
    interpretado en ... Volver - Leer más - Ampliar información

    algunos momentos por una doble para no
    mostrar su cuerpo desnudo, y que se
    utilizara chocolate para recrear la
    sangre.

    Además, los sonidos del apuñalamiento se
    hicieron golpeando un cuchillo con una
    sandía, y la música, que aun produce
    escalofríos a quien la escucha, fue
    compuesta por Bernand Hermand sin ninguna
    indicación por parte de Hitchcock. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    La famosa escena del vestido de Marilyn
    que se levanta por la ventilación del
    metro fue rodada dos veces.

    La primera toma fue en la Avenida
    Lexington de Manhattan y la segunda se
    hizo en un estudio.

    La escena que aparece en la película es
    la de la segunda toma, ya que la primera
    resultó inservible debido al ruido de la
    gente que se agolpaba para presenciar la
    grabación.

    Sobre este revuelo el propio Wilder,
    genial director de esta comedia, dijo:
    "Cuando rodé con ella la escena de la
    boca de ventilación del metro tenía la
    atención de todo el mundo. Se reunieron
    veinte mil personas, hubo caos de

    circulación y una crisis matrimonial
    entre Joe DiMaggio y Marilyn. Reconozco
    que yo también me habría puesto nervioso
    si veinte mil personas hubieran estado
    observando una sola cosa: cómo mi mujer
    se levantaba las faldas por encima de la
    cabeza".

    Esta película convirtió a Marilyn en
    algo más que una estrella, al
    transformarse en el icono sexual de varias
    generaciones. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    " Luke, yo soy tu padre " ha sido una
    frase legendaria del séptimo arte que ha
    pasado de generación en generación de
    cinéfilos.

    Con ella, Darth Vader reivindicaba su
    paternidad ante su hijo, Luke Skywalker,
    en Star Wars. Episodio V: El imperio
    contraataca.

    Esta fue la segunda película estrenada de
    la saga Star Wars (o La Guerra de las
    Galaxias) y la quinta en términos
    cronológicos internos de la saga.

    Producida por George Lucas y dirigida por
    Irvin Kershner, El imperio contraataca fue
    un éxito de crítica y taquilla y ha sido
    calificada como la mejor película de la
    saga.

    En la icónica escena, Luke no puede
    afrontar la realidad que conlleva esa
    frase y prefiere caer al vacío antes que
    unirse al Lado Oscuro.

    Cabe destacar que este momento a menudo es
    citado como arquetipo de los giros
    argumentales inesperados y es, además,
    una de las frases más memorables de la
    historia del cine. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    Basada en la novela de un antiguo militar,
    James Jones, la película De aquí a la
    eternidad se suavizó para el público
    estadounidense de los años 50, aunque
    siguiera tocando temas de lo más
    polémico para la época, como la
    prostitución, el adulterio, la injusticia
    en el ejército o la corrupción.

    La película, rodada en tan solo 41 días,
    se llevó 8 estatuillas: mejor película,
    mejor actor de reparto (Frank Sinatra),
    mejor actriz de reparto (Donna Reed),
    mejor director, mejor fotografía en
    blanco y negro, mejor guion, mejor sonido
    y mejor montaje.

    Además obtuvo otras nominaciones al mejor
    vestuario, a la banda sonora, a la actriz
    principal (Deborah Kerr), y a los actores

    Montgomery Cliff y Burt Lancaster.

    En España fue censurada en su momento la
    famosa escena del beso en la playa, y se
    prohibió emplear la imagen incluso en los
    carteles anunciadores.

    Quizá el adúltero y apasionado beso en
    la playa entre Deborah Kerr y Burt
    Lancaster sea la escena más recordada de
    la muy recomendable película de Fred
    Zinnemann estrenada en 1953, y es sin
    lugar a dudas, uno de los besos más
    famosos de la historia del celuloide. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    Se llegó pensar que El exorcista tenía
    una maldición porque antes de su estreno,
    y hasta unos años después, nueve
    personas fallecieron relacionadas directa
    o indirectamente con su producción.

    Además, un incendio destruyó gran parte
    del set durante un fin de semana, lo que
    provocó que el rodaje se retrasara 6
    semanas más de lo que se tenía planeado
    en un primer momento.

    Cuando la película se estrenó en 1973,
    causó la histeria en varias salas: la
    gente se desmayaba y muchas ambulancias se
    tuvieron que desplazar a cines y teatros.

    En España se censuró partes de la
    película en su estreno, tratando de
    suavizar escenas intercalando partes

    sonoras para que la atención no quedara
    solo sobre el código visual, como por
    ejemplo durante los "actos obscenos" de
    Regan con la cruz.

    Se dice que durante la escena del
    exorcismo
    (cuando la niña está siendo
    zarandeada en la cama), la actriz tenía
    unas correas en la espalda y un hierro que
    la hacían moverse.

    Mientras rodaban, el sistema se soltó y
    se empezó a golpear con el hierro de
    verdad, por lo que la niña gritaba de
    dolor.

    En vez de cortar, siguieron grabando
    porque les parecía más real. Leyenda o
    realidad, lo cierto es que esta escena
    supuso un ... Volver - Leer más - Ampliar información

    antes y un después en el cine de terror y
    aún produce escalofríos. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 23/10/12
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    Lo que el viento se llevó está basada en
    la novela ganadora de un Premio Pulitzer
    del mismo título de Margaret Mitchell. Su
    rodaje duró 125 días y produjo avances
    muy importantes en la técnica
    cinematográfica. En el momento de su
    estreno fue la película más cara y larga
    que se había rodado y, además de ser un
    gran éxito de taquilla, fue galardonada
    con 10 estatuillas. En la dirección
    contó con Victor Fleming, George Cukor y
    Sam Wood, y estuvo protagonizada por Clark
    Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard y
    Olivia de Havilland, entre otros.

    El final de la película, conocido por
    todos, nos muestra a un Rhett Butler que
    se marcha cansado de su caprichosa esposa,
    y a una Escarlata que ha perdido todo,
    pero que saca fuerzas para resistir de lo

    que realmente es importante: su tierra,
    Tara. Lo que el viento se llevó se
    empezó a promocionar tres años antes de
    su estreno, convirtiéndose así en la
    precursora de las campañas publicitarias
    a las que estamos acostumbrados hoy en
    día. La película contó con 50 actores y
    2.400 extras y su primera versión duraba
    seis horas (el resultado final casi tres).
    "A Dios pongo por testigo de que jamás
    volveré a pasar hambre" y
    "Francamente, querida, me importa un
    bledo" son dos de las citas más
    repetidas de la historia del cine. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    Hablar de El Padrino es hablar de una joya
    con mayúsculas de la historia del cine y
    esta
    es una de las escenas más
    emblemáticas y recordadas de la
    película.

    Dirigida por Francis Ford Coppola, El
    Padrino está basada en la novela del
    mismo nombre de Mario Puzo.

    Fue ganadora de 3 premios Oscar (mejor
    película, mejor actor y mejor guion
    adaptado) y narra la vida de Don Vito
    Corleone (Marlon Brando) como uno de los
    padrinos de la comunidad italiana en el
    Nueva York de la posguerra, tras la
    segunda guerra mundial.

    Marlon Brando rechazó su Oscar, y en su
    lugar envió a la ceremonia a una actriz

    estadounidense de origen indio, que se
    manifestó en contra del tratamiento que
    recibía su pueblo en las películas de
    Hollywood.

    Esta fue la primera parte de una trilogía
    completada por El padrino II en 1974 y
    concluida con El padrino III en 1990.

    Es imposible no quedar sobrecogido ante la
    macabra advertencia de los Corleone a
    Woltz en esta escena, para la que se
    utilizó una cabeza de caballo falsa en
    los ensayos y una real para la toma final.

    Además, se podría decir que desde el
    punto de vista técnico, el uso del
    travelling de acercamiento y los cortes de
    plano de esta escena resultan impecables. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    El perfeccionista (y genial) director
    Stanley Kubrick trabajó mano a mano con
    el escritor y científico británico
    Arthur C. Clarke para la realización de
    esta película (él escribía la novela al
    mismo tiempo que Kubrick filmaba), y está
    considerada por muchos como una brillante
    teoría cinematográfica sobre el hombre.

    El primer acto de esta obra maestra nos
    lleva al origen del ser humano.

    En esta icónica escena unos simios
    encarnados por actores descubren el
    conocimiento, y gracias al monolito
    empiezan a descubrir por sí mismos las
    enormes posibilidades de su entorno.

    Lo primero que nuestro antepasado aprende
    es a crear armas y herramientas, y cuando

    el simio tira un hueso al aire nos
    transportamos al espacio, donde unas naves
    parecen moverse a ritmo de música
    clásica.

    Muchos críticos coinciden es señalar que
    Kubrick consigue en un solo plano que el
    espectador repase mentalmente toda la
    historia artística del hombre.

    Stanley Kubrick colocó a 2001: Una odisea
    del espacio en la cima del cine de
    ciencia-ficción, acertando tanto en la
    historia como en la música (seleccionada
    personalmente por él), y ofreciéndonos
    varios de los momentos más memorables de
    la historia del cine. ... Volver - Leer más - Ampliar información

  • Actualizado el 13/08/12
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    Esta obra maestra del musical narra una
    divertida sátira sobre el mundo del cine.

    La famosa escena del baile bajo la lluvia
    fue ensayada por Genne Kelly y el
    director, Stanley Donnen, durante semanas
    y su grabación se realizó en una sola
    toma (a pesar de que el día de grabación
    Gene Kelly llegó al estudio con 40 grados
    de fiebre).

    El agua de la lluvia fue retocada para que
    pudiera ser captada mejor por la cámara:
    se mezcló con leche para que resultara
    más auténtica.

    Gene Kelly y Fred Astaire ayudaron a
    Debbie Reynolds con su falta de
    experiencia en el baile.
    Se dice que por las noches Kelly la

    «encerraba» en un cuarto para que
    ensayara durante horas y no paraba hasta
    que le sangraban los pies.

    Reynolds dijo que hacer Cantando bajo la
    lluvia y parir fueron las dos experiencias
    más difíciles de su vida.

    Esta escena ha sido de las más
    homenajeadas y parodiadas de la historia
    del cine, y hemos podido contemplar
    numerosas versiones tanto en series de
    televisión como en la publicidad ... Volver - Leer más - Ampliar información

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